Dessiner vite ne signifie pas simplement accélérer le geste. La véritable rapidité vient d’une méthode claire et d’un choix stratégique des étapes. Dans cet article, nous allons voir comment dessiner rapidement tout en conservant précision, lisibilité et impact visuel.
Pour dessiner vite, la première étape est de ralentir… mais au bon moment. Avant de tracer, prenez le temps d’observer et de construire.
Délimitez votre cadre : définissez les limites de votre sujet.
Analysez vos traits de construction : investissez un peu plus de temps au départ pour trouver les repères précis.
Structurez avant de détailler : une base solide permet de placer les détails plus vite et plus justement.
Exemple : dessiner un château en perspective sans construction oblige à reproduire chaque créneau un par un. Avec une structure initiale, vous placez les créneaux de façon cohérente et rapide.
2. Faire des choix et synthétiser l’information
Gagner du temps, c’est aussi ne pas tout dessiner. Il faut savoir suggérer.
Indiquer plutôt que tracer : utilisez quelques lignes pour donner la direction des plans.
Exploiter les ombres : une ombre sous une voiture suffit à montrer la largeur des pneus et leur contact au sol, sans tout dessiner.
Mettre en valeur l’essentiel : accentuez les zones importantes par des contrastes ou des ombres, en laissant le reste plus léger.
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Pour dessiner vite, il ne faut pas précipiter le geste mais optimiser chaque étape : observer, construire, simplifier, automatiser et clarifier. Cette méthode permet non seulement de gagner du temps, mais aussi d’obtenir des dessins plus percutants et agréables à lire.
Quand on stagne en dessin, il ne faut pas toujours plus de théorie. Parfois, ce sont des exercices simples et concrets qui permettent de débloquer une situation, de réveiller son regard et de retrouver de l’élan. Voici 6 exercices de dessin que j’utilise régulièrement en atelier, et qui ont fait leurs preuves pour progresser vite, avec plaisir, et retrouver l’envie de dessiner.
La vidéo comprend de nombreuses démonstrations. Abonnez-vous à ma chaîne YouTube si ce type de contenu vous intéresse.
Les idées développées dans cette vidéo
1. Dessiner sans jamais lever le crayon
Comment pratiquer : Posez votre crayon (ou mieux : un stylo Bic) sur la feuille… et ne le levez plus jusqu’à la fin de votre dessin. L’exercice peut être réalisé d’après modèle ou d’imagination. Le but est de capter l’ensemble du sujet avant d’entrer dans les détails, en affinant progressivement la silhouette.
Pourquoi ça débloque : Cet exercice casse l’habitude de commencer par les détails. Il vous oblige à penser en termes de forme globale, à fluidifier vos gestes, et à rester concentré sur la cohérence des proportions. Il est excellent pour apprendre à voir le sujet dans son ensemble.
2. Limiter le temps avec un timer
Comment pratiquer : Lancez un minuteur et imposez-vous une durée courte : 2 minutes, 1 minute, voire 30 secondes. L’exercice peut être utilisé pour dessiner un modèle vivant, un objet, ou un personnage inventé.
Pourquoi ça débloque : Vous apprenez à aller à l’essentiel. En un minimum de temps, vous devez capter la posture, l’attitude, les grandes lignes. Cela améliore votre capacité à synthétiser une scène, à structurer une silhouette, et à dégager une intention forte avec peu de moyens.
3. Contraindre un personnage à une forme géométrique
Comment pratiquer : Commencez par tracer une forme simple (triangle, cercle, rectangle…). Puis, forcez-vous à faire entrer une posture humaine dans cette forme. Placez la tête, les bras, les jambes… tout doit tenir dans la contrainte.
Pourquoi ça débloque : C’est une source intarissable d’idées originales. Les contraintes génèrent des postures surprenantes, expressives et narratives. Cet exercice stimule la créativité, développe le langage des formes, et vous apprend à composer avec des dynamiques visuelles fortes.
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Comment pratiquer : Commencez par une feuille noire ou très sombre. Utilisez un crayon blanc, du blanco ou tout autre médium clair, et dessinez uniquement les zones de lumière (sans traits de contour).
Pourquoi ça débloque : On pense souvent au dessin comme un jeu de lignes. Ici, vous pensez en volume et en lumière. Cela renforce votre compréhension des formes dans l’espace, de la lumière naturelle, et vous aide à rendre vos dessins plus réalistes et expressifs.
5. Générer des idées par association de mots
Comment pratiquer : Préparez deux listes : l’une avec des noms (animaux, objets, personnages), l’autre avec des fonctions ou actions. Tirez au sort un mot de chaque et imaginez la scène. Exemple : Un éléphant qui joue au violon.
Pourquoi ça débloque : Cet exercice développe votre imaginaire et votre sens de la narration. Il vous pousse à résoudre des problèmes visuels improbables avec logique et inventivité. Parfait pour trouver des idées d’illustrations ou d’histoires illustrées.
6. Dessiner sans contours, uniquement par la masse
Comment pratiquer : Oubliez les lignes. Commencez par une masse sombre, puis dessinez par ajout de valeurs plus claires ou plus sombres, sans tracer de contour. Travaillez par aplat, comme si vous sculptiez dans la lumière.
Pourquoi ça débloque : Vous vous concentrez sur la composition et les formes pleines, et non sur le trait. Cela transforme complètement votre approche du dessin, vous pousse à penser en termes de silhouette, de contraste et d’organisation spatiale. Idéal pour développer une vision picturale.
Pourquoi ces exercices fonctionnent ?
Tous ces exercices ont un point commun : ils sollicitent une autre partie de votre cerveau. En vous sortant de vos automatismes, ils réveillent votre perception, affinent votre gestuelle et développent de nouvelles manières de penser vos images. Ce ne sont pas juste des routines techniques : ce sont des déclencheurs créatifs.
En conclusion
Si vous ressentez une stagnation dans votre progression en dessin, testez ces 6 exercices de dessin pendant une semaine. Pratiquez-les régulièrement, sans pression, en alternant entre dessin d’observation et imagination. Vous verrez que votre regard changera… et vos dessins aussi.
Regardez dès maintenant la version vidéo du podcast pour découvrir mes conseils et astuces pour débuter le dessin en perspective.
Les idées développées dans ce podcast
Dessin perspective : comprendre la profondeur pour mieux représenter l’espace
Le dessin en perspective est l’une des clés fondamentales pour donner vie à vos images. Qu’il s’agisse d’un décor de bande dessinée, d’un personnage en situation ou d’une scène d’observation, la perspective structure l’espace, guide l’œil et rend votre dessin crédible.
Pourtant, apprendre la perspective peut intimider. Points de fuite, lignes d’horizon, constructions géométriques complexes… tout cela semble parfois réservé aux architectes.
Dans cet article, nous allons démystifier tout cela. Pas à pas, vous découvrirez les concepts essentiels pour comprendre et pratiquer le dessin en perspective, en commençant par les bases les plus simples jusqu’aux méthodes avancées.
Commencer simplement : trois techniques sans géométrie
Avant même d’utiliser des points de fuite ou une règle, vous pouvez créer une impression de profondeur avec des méthodes visuelles très efficaces.
1. La superposition : votre premier outil spatial
Lorsqu’un objet en masque partiellement un autre, notre cerveau comprend immédiatement que celui qui est caché est derrière. C’est la base du dessin en perspective sans aucun outil technique.
Exemple : placez un carré plus petit devant un plus grand, en masquant partiellement ce dernier. L’œil interprète aussitôt la position relative dans l’espace.
👉 Cette technique suffit à créer une composition par plans :
premier plan (un personnage),
deuxième plan (un mur derrière lui),
troisième plan (une pièce vue à travers une porte).
2. Le raccourcissement de la taille : petit = lointain
Un même objet, dessiné plus petit, paraît plus éloigné.
Cela signifie que taille et hauteur dans la composition agissent ensemble pour créer la profondeur.
3. L’organisation en plans
En multipliant les couches d’objets (devant, derrière, au fond), vous pouvez structurer une image sans utiliser de perspective linéaire.
La ligne d’horizon : un repère narratif fondamental
Quand on parle de dessin perspective, la ligne d’horizon est souvent mentionnée. C’est un outil de construction, mais aussi un levier de narration.
Qu’est-ce que la ligne d’horizon ?
Elle traverse la composition horizontalement et correspond toujours à la hauteur des yeux de l’observateur.
Si vous dessinez assis, elle est basse. Debout, elle monte. En contre-plongée ou plongée, elle se déplace selon la « caméra ».
Dans certains cas (l’océan), elle est visible ; mais dans la majorité des scènes, elle reste mentale : elle sert à construire, pas à se montrer.
Choisir sa hauteur = choisir son point de vue
Une ligne d’horizon haute place le spectateur au-dessus de la scène. On observe de haut, comme un géant. Cela donne une impression de domination, ou d’éloignement.
Une ligne d’horizon basse place le spectateur au ras du sol, comme un enfant ou un petit animal. Le sujet devient grand, puissant, imposant.
👉 Ce choix influence fortement la perception émotionnelle de votre image.
Les points de fuite : organiser les lignes dans l’espace
Quand vous tracez des lignes parallèles dans la réalité, elles convergent visuellement vers un point de fuite sur la ligne d’horizon. Ces points servent à projeter les objets dans l’espace.
1. Perspective à un point de fuite
Utilisée lorsque l’objet fait face à l’observateur.
Seules les lignes qui vont en profondeur convergent. Les lignes verticales et horizontales restent parallèles.
Elle permet de construire des scènes simples et frontales (couloir, rails, routes droites…).
2. Perspective à deux points de fuite
Utilisée lorsque l’objet est vu de biais.
Deux ensembles de lignes convergent chacun vers un point distinct sur la ligne d’horizon.
Parfait pour dessiner un bâtiment de coin, ou faire tourner un objet dans l’espace.
3. Perspective à trois points de fuite
Ajoute un point vertical de convergence.
Utilisée pour les vues extrêmes (contre-plongée sur un gratte-ciel, plongée sur une vallée).
Crée une impression de profondeur verticale.
Focale, déformations et choix artistiques
La distance entre les points de fuite influence l’effet produit :
Points rapprochés : déformations fortes, comme avec un grand-angle.
Points éloignés : vision plus naturelle, effet « téléobjectif ».
Ces choix ne sont pas neutres : ils placent l’observateur dans l’espace et modifient la perception des formes. À vous de choisir votre focale selon ce que vous voulez faire ressentir dans l’image.
Comprendre les raccourcis : dessiner ce qu’on voit, pas ce qu’on sait
Un raccourci est une transformation visuelle d’un objet incliné. Plus un plan est incliné, plus il paraît écrasé dans le dessin.
Exemple : une ellipse (bouche de vase, assiette, roue) vue de face est un cercle. Vue de biais, elle devient un ovale. Plus elle s’approche de la ligne d’horizon, plus elle est aplatit.
Méthodes de travail : observer, expérimenter, simplifier
Le dessin d’observation
C’est la meilleure école. Observez les angles, les fuyantes, les raccourcis. Ne cherchez pas à tout tracer. Apprenez à évaluer à l’œil l’ouverture des lignes et la forme des ellipses.
Commencer simple
Inutile de démarrer par un château en ruine en perspective trois points. Travaillez sur des boîtes simple pour commencer.
Ce qu’il faut retenir
En dessin perspective, les notions clés sont :
✅ La superposition, pour construire des plans sans outils. ✅ La hauteur de la ligne d’horizon, qui détermine le point de vue. ✅ Les points de fuite, pour organiser l’espace. ✅ Les déformations, plus fortes quand on s’éloigne de la ligne d’horizon. ✅ Les raccourcis, qui traduisent l’inclinaison des objets.
Plus vous combinez ces éléments, plus vos dessins gagnent en profondeur.
Regardez dès maintenant le podcast en vidéo pour découvrir les outils indispensables pour débuter le dessin, ainsi que des démonstrations claires pour apprendre à les maîtriser rapidement.
Les idées développées dans ce podcast
Vous voulez apprendre le dessin, mais vous ne savez pas quels outils choisir ? Vous avez peut-être déjà pensé qu’il fallait investir dans du matériel coûteux pour progresser. En réalité, les meilleurs outils de dessin pour débuter sont souvent simples, abordables, et parfois déjà chez vous.
Voici cinq outils de dessin indispensables pour bien commencer, accompagnés de conseils concrets pour les maîtriser.
Outil 1 : Le crayon gris
Votre premier compagnon de route Le crayon est l’outil de base du dessinateur. Commencez avec un HB ou un 2B, des mines ni trop sèches ni trop grasses. Taillées au cutter, elles offrent une meilleure visibilité sur votre feuille.
Pourquoi c’est important :
Vous apprenez à tracer des lignes plus légères et plus contrôlées.
Vous développez la gestuelle du bras (poignet, coude, épaule) pour gagner en dynamisme.
Vous apprenez à distinguer traits de construction et traits définitifs.
Conseil : Faites un concours avec vous-même pour dessiner les lignes les plus légères possibles. Cela vous évitera d’utiliser la gomme à outrance.
Outil 2 : La gomme mie de pain
Pour corriger sans effacer Contrairement à la gomme dure, elle permet d’estomper les traits sans les faire disparaître. Elle s’utilise comme un rouleau, après l’avoir malaxée.
Pourquoi c’est utile :
Elle vous aide à rendre les traits de construction discrets sans nuire à la lisibilité du dessin.
Elle permet d’éviter le gommage agressif qui abîme le papier.
Conseil : Utilisez-la uniquement si vos premiers traits sont restés très légers. Elle est inefficace si vous avez appuyé trop fort.
Outil 3 : Le papier
Un outil sous-estimé On croit souvent que le support est secondaire. Pourtant, le papier est un véritable outil de progression.
Commencez avec :
Du papier imprimante A4 (80g minimum) pour pratiquer sans retenue.
Des carnets Zap Book pour dessiner partout à moindre coût.
Pourquoi c’est important :
Plus vous dessinez, plus vous progressez. Du papier bon marché libère votre geste.
Le format impose une structure à votre dessin (horizontales, verticales, marges).
Vous développez un sens de la composition très tôt, en évitant les tangentes et en occupant l’espace intelligemment.
Outil 4 : Le stylo quatre couleurs
Un allié inattendu, Ce stylo (type Bic) est un outil de recherche très puissant, souvent sous-estimé.
Pourquoi il est efficace :
Il permet de faire des esquisses à plusieurs étapes sur la même feuille (par couleur).
Il facilite la recherche graphique en superposant des variantes.
Il est peu encombrant, idéal pour dessiner sur le vif.
Conseil : Utilisez le vert pour les premières lignes, le rouge pour corriger, le noir pour affirmer. C’est simple, rapide et très formateur.
Outil 5 : Le Pentel Brush Pen
Pour affiner le trait, Une fois les bases posées, passez à cet outil plus avancé. C’est un pinceau rechargeable à l’encre noire.
Pourquoi il fait la différence :
Il permet de varier épaisseurs et intensités de trait (pleins et déliés).
Il incite à penser en masses, plutôt qu’en simples contours.
Il est très adapté au dessin en extérieur grâce à son autonomie.
Conseil : Ce n’est pas un outil pour débuter, mais pour enrichir votre dessin une fois les fondations solides.
En conclusion
Commencez simple, progressez vite Les outils de dessin ne font pas le talent. Mais les bons choix, au bon moment, facilitent l’apprentissage. Commencez avec peu, mais utilisez-les à fond.
En dessin, ce sont vos erreurs qui vous forment. Expérimentez, testez, ratez… et recommencez.
Votre progression commence là, avec un crayon et une feuille.
Podcast 8 : 5 Mythes sur l’apprentissage du dessin
Vous pouvez maintenant regarder mon podcast en vidéo sur YouTube !
(j’ai décidé de retirer Spotify)
Les idées développées dans ce podcast
Vous voulez progresser en dessin, mais vous doutez de vos capacités ? Vous avez peut-être en tête certaines croyances qui vous bloquent plus qu’elles ne vous aident.
Voici 5 mythes sur le dessin que je rencontre souvent. Si vous les dépassez, vous avancerez plus sereinement.
Mythe 1 : Prendre des cours rend les dessins plus beaux rapidement
C’est une idée répandue. Pourtant, apprendre à dessiner ne vous fera pas dessiner « mieux » tout de suite. Au contraire, vos croquis peuvent même vous sembler moins réussis au début. C’est normal.
Pourquoi cette impression ?
Vous changez de méthode. Passer d’un dessin intuitif à une vraie construction (volume, proportions, structure) demande de désapprendre certaines habitudes.
Vous sortez de votre zone de confort. Les nouvelles techniques rendent vos dessins moins fluides… au début.
La progression n’est pas linéaire. Elle fonctionne par paliers, avec des périodes de stagnation ou de doute.
Beaucoup abandonnent juste avant une étape-clé. C’est souvent quand c’est le plus dur qu’on est sur le point d’évoluer.
Être accompagné fait la différence. Un professeur vous aide à surmonter ces phases de flottement et à alterner entre exercices techniques et plaisir de dessiner.
Prenez le temps. Les progrès durables sont rarement spectaculaires, mais toujours solides.
Mythe 2 : Connaître la théorie suffit à bien dessiner
Lire un livre sur l’anatomie ou regarder des tutoriels sur la perspective ne suffit pas. Comprendre la théorie, c’est une chose. L’appliquer en dessinant, c’en est une autre.
La réalité, c’est que :
Vous devez pratiquer les bases des centaines de fois pour les intégrer.
Le dessin demande une coordination fine entre l’œil, la main et le cerveau.
Une bonne pédagogie vous évite de tout mélanger. Un professeur introduit les notions au bon moment.
Entraînez-vous à décomposer les étapes.
Le dessin n’est pas un savoir qu’on empile. C’est une pratique qu’on répète.
Mythe 3 : Savoir dessiner permet de représenter ce qu’on a dans la tête
Ce mythe sur le dessin est courant : croire que les bons dessinateurs visualisent parfaitement leurs images avant de les tracer.
Mais en réalité :
Vos idées mentales sont souvent floues. Le dessin permet justement de clarifier ces impressions vagues.
Dessiner, c’est penser en s’aidant de sa main. Les traits guident la réflexion et précisent les formes.
Même les dessinateurs « géniaux » comme Kim Jung Gi travaillaient sur des bases solides : anatomie, perspective, mémoire visuelle.
Dessiner n’est pas transcrire une image figée. C’est construire une vision en temps réel.
Mythe 4 : Il faut un don pour savoir dessiner
Ce mythe du don en dessin est très tenace. Mais il est trompeur. Le talent n’est pas une condition. C’est la pratique régulière qui fait la différence.
Voici ce que j’observe en cours :
Certains débutants « doués » se reposent sur leurs facilités… et stagnent vite.
D’autres, qui commencent avec un niveau très faible, progressent de manière spectaculaire grâce à leur persévérance.
J’ai vu des élèves partir de zéro, incapables de dessiner une pomme, et finir par produire des croquis expressifs, des portraits, de l’aquarelle…
Ce qui compte, c’est votre engagement, pas votre niveau de départ.
Mythe 5 : Prendre des cours permet de trouver son style
Beaucoup viennent en cours pour « trouver leur style ». Mais on ne le trouve pas. On le révèle. Il est déjà là, dans votre façon d’observer, de tracer, de simplifier.
Deux types de styles existent :
Le « système graphique », qu’on construit pour un projet en respectant des contraintes (formes simples, aplats, déformations volontaires…).
Le style personnel, plus profond, qui transparaît dans tous vos dessins, même quand vous copiez ou suivez un modèle.
Vos traits, vos silences, vos hésitations font partie de votre style. Les cours vous aident à mieux maîtriser votre dessin, pas à devenir quelqu’un d’autre.
En résumé : ne laissez pas les mythes freiner votre apprentissage du dessin
Ces mythes sur le dessin créent des attentes irréalistes. Ils vous empêchent parfois de commencer, ou vous font douter en cours de route.
Apprendre à dessiner, c’est :
accepter de progresser lentement,
pratiquer plus que lire ou regarder des vidéos,
construire une image plutôt que la reproduire mentalement,
Le dessin observation est la base de tout apprentissage du dessin. C’est l’entraînement le plus efficace si vous souhaitez vraiment comprendre la forme, la lumière et la perspective. En observant la réalité, vous développez un regard plus précis et une main plus sûre.
Même si vous rêvez de créer des univers imaginaires, le dessin observation nourrit votre créativité et crédibilise vos inventions.
Les principes fondamentaux
Pour progresser, appuyez-vous sur quelques règles simples :
80 % du temps à observer, 20 % à tracer. Vous apprendrez plus vite en ralentissant et en analysant attentivement votre sujet.
Commencez par les grandes formes avant d’aller vers les détails.
Évitez de copier uniquement des photos : observez des objets réels dès que possible.
Le dessin observation demande de la patience. Il est normal de produire des croquis maladroits avant de gagner en précision.
Le matériel recommandé
Moins vous en emportez, plus vous dessinerez :
Un carnet simple et léger que vous pourrez toujours avoir avec vous.
Un stylo non effaçable (Bic quatre couleurs, feutre fin, stylo-pinceau) pour avancer sans revenir en arrière.
Éventuellement quelques crayons ou une touche de couleur.
L’objectif est de pouvoir sortir votre matériel en quelques secondes et de démarrer sans contrainte.
Les étapes de l’apprentissage
L’observation stricte
C’est la première étape. Vous apprenez à regarder vraiment :
Mesurez les distances en tendant votre crayon devant vous, un œil fermé.
Analysez les angles en plaçant le crayon horizontal ou vertical.
Repérez les formes vides entre les objets (les espaces négatifs).
Décomposez le sujet en volumes simples et en valeurs claires ou sombres.
Même si cet exercice est plus facile sur des sujets immobiles, entraînez-vous aussi sur des scènes vivantes. La régularité compte plus que la perfection.
La perspective
Quand vous commencez à vous sentir plus à l’aise, intégrez les notions de perspective :
Cherchez la ligne d’horizon.
Imaginez des volumes simples (boîtes, cylindres) pour structurer vos dessins.
Interprétez les scènes en modifiant la focale.
Mélangez cette approche avec l’observation stricte. Vous donnerez plus de crédibilité à vos croquis.
Le modelé et la lumière
Ensuite, travaillez le volume et l’éclairage :
Repérez l’orientation des chevauchements et les ellipses sur les volumes organiques.
Décidez d’un éclairage principal et conservez son orientation.
Gardez une part d’observation pure. Évitez de trop styliser ou de forcer l’effet décoratif.
La gestuelle
Enfin, pratiquez la gestuelle :
Tracez des lignes de force pour capturer le mouvement.
Simplifiez les formes pour saisir l’essentiel en quelques secondes.
Ajoutez ensuite le modelé, sur la silhouette, si vous le souhaitez.
Cet exercice est difficile au début, mais il développe une liberté précieuse.
Se lancer et progresser
Avec le temps, vous intégrerez naturellement observation, perspective, volume et gestuelle. Vous développerez un style personnel et une confiance solide. L’idée est de revenir régulièrement à ces fondamentaux en les exerçant directement sur le motif.
Le dessin observation est la méthode la plus simple et la plus complète pour apprendre à dessiner. C’est un entraînement exigeant, mais il vous donnera une liberté incomparable.
« Un bon dessin peut être agrandi. » Cette phrase, lue dans un numéro du remarquable magazine Les Arts Dessinés, m’a profondément marqué. Elle révèle une vérité que beaucoup de dessinateurs ignorent : un dessin agrandi ne pardonne rien.
Réduire ou Agrandir : deux pratiques opposées
Quand on crée une bande dessinée ou une illustration, on réduit beaucoup plus souvent la taille des dessins qu’on ne les agrandit. Pendant des années, j’ai travaillé sur de grandes planches que je scannais ensuite avec impatience pour les réduire.
La réduction affine l’encrage et masque de nombreux défauts, notamment les problèmes de proportion et de placement des éléments. Cette pratique donne un résultat plus flatteur sans demander d’effort supplémentaire. Si vous dessinez régulièrement, vous appliquez peut-être déjà ce procédé sans vous en rendre compte.
Pourtant, même en réduisant mes planches, je constatais que mes dessins restaient loin du niveau des professionnels. En observant leurs originaux lors de festivals, j’ai compris que leurs dessins affichaient un équilibre et une solidité qui subsistaient à n’importe quel agrandissement.
Ce que révèle un dessin agrandi
Lorsque vous agrandissez un dessin, certains défauts deviennent immédiatement visibles :
Les erreurs de placement des petits éléments (yeux, nez, bouche) se remarquent instantanément.
Les détails inutiles prennent une importance disproportionnée.
La composition révèle toutes ses failles et nuit à la lisibilité.
L’impression générale perd en cohérence.
Agrandir un dessin agit comme un révélateur plus impitoyable encore que la fameuse technique du miroir qui consiste à retourner son image. Vous ne pouvez plus tricher.
J’ai dessiné ces dessins très petits. Observez ce qui ne fonctionne pas dans l’exemple de gauche et comment l’exemple « synthétique » de droite fonctionne mieux.
Comment améliorer un dessin avant de l’agrandir
Pour produire un dessin solide, capable de résister à l’agrandissement, vous devez apprendre à synthétiser. L’amateur masque ses hésitations en ajoutant des détails. Le professionnel, lui, épure son tracé pour ne conserver que l’essentiel.
Voici quelques principes concrets pour renforcer vos dessins :
Travaillez à l’échelle finale. Si vous dessinez en numérique, n’utilisez pas la « loupe » et observez votre image dans sa taille réelle.
Identifiez les grandes masses. Contenez-les dans des formes géométriques simples avant de traiter les détails.
Simplifiez les petits éléments complexes. Cherchez l’indication minimale qui transmet l’émotion, notamment dans l’expression des yeux.
Étudiez les originaux des dessinateurs que vous admirez. Observez leurs choix de simplification et leur façon de hiérarchiser l’information visuelle. ( Un site pour voir d’excellent originaux : https://www.danielmaghen.com/ )
Misez sur la lisibilité.
Ces habitudes transformeront votre façon de construire un dessin.
Les bénéfices du dessin agrandi
En maîtrisant cette discipline, vous obtenez des dessins plus clairs, plus professionnels et plus convaincants. Vous gagnez en rapidité : des traits plus francs et un niveau de détail contrôlé réduisent considérablement le temps de finalisation.
Ce processus vous conduira à trouver vos propres solutions graphiques, celles qui feront naître votre style unique.
Conclusion : Le chemin du dessinateur
Le dessin agrandi agit comme un juge impartial. Il ne tolère aucune approximation et dévoile sans ménagement vos failles. Si vous acceptez cette exigence, vous progresserez plus vite que vous ne l’imaginez.
Gardez toutefois à l’esprit que cet équilibre exige des années de pratique attentive et sincère.
Vous ne trouverez pas de raccourci théorique : ce chemin reste profondément personnel. C’est précisément ce qui en fait toute la valeur.
Le carnet de croquis est l’un des outils les plus essentiels pour apprendre à dessiner et améliorer vos compétences. Plus qu’un simple cahier, il devient un laboratoire personnel où vous pouvez observer, expérimenter et libérer votre créativité.
Pourquoi utiliser un carnet de croquis ?
Un support toujours à portée de main
Le carnet de croquis vous accompagne partout. Il vous permet de pratiquer le dessin d’observation, l’exercice le plus formateur. En dessinant sur le vif, vous vous confrontez aux mouvements du sujet et aux changements de lumière. Cela vous apprend à simplifier et à aller à l’essentiel.
Un espace d’expérimentation
Votre carnet n’est pas un portfolio de dessins parfaits. C’est un outil où vous :
Notez vos idées et vos recherches.
Faites des essais sans pression.
Produisez beaucoup, même si certains dessins vous paraissent ratés. La quantité d’exercices prime sur la qualité isolée d’un croquis.
Bien choisir son carnet de croquis
Pour qu’il soit efficace, votre carnet doit être :
Simple et pratique : évitez les couvertures rigides encombrantes et le papier trop précieux.
Peu onéreux : un carnet basique vous incite à dessiner sans peur de gâcher.
Adapté à un usage fréquent : préférez un petit format que vous glisserez facilement dans votre sac.
Beaucoup de dessinateurs professionnels utilisent des carnets bas de gamme en papier recyclé. L’important est de ne pas se sentir paralysé par l’idée de “réussir chaque page”.
Quel matériel emporter ?
Moins vous en emportez, plus vous dessinerez.
Voici quelques recommandations :
Un stylo non effaçable (Bic quatre couleurs, feutre fin, stylo-pinceau Pentel) pour avancer sans revenir en arrière.
Un petit carnet léger, facile à ouvrir.
Éventuellement deux ou trois couleurs, si vous aimez travailler en couleur.
L’objectif est de pouvoir sortir votre matériel en quelques secondes et de commencer à dessiner.
Composer vos pages de carnet de croquis
La composition est un point souvent négligé par les débutants. Pourtant, elle donne vie à vos croquis.
Ne placez pas vos dessins isolés dans un coin. Remplissez vos pages, pensez leur organisation.
Variez les zones détaillées et celles plus épurées.
Jouez sur les contrastes de valeurs et de rythmes.
Considérez chaque double page comme une planche illustrée, qui raconte quelque chose visuellement.
En apprenant à composer, vous développez aussi un sens graphique précieux pour vos projets finis.
Le rôle fondamental de l’observation
Même si votre objectif est de créer des dessins imaginaires, le dessin d’observation nourrit votre imagination et crédibilise vos créations.
Par exemple, si vous inventez un costume, le fait d’avoir observé la manière dont un tissu se plie ou tombe rendra votre dessin plus réaliste. Ces détails issus de la réalité donnent de la force à vos idées.
Se lancer et garder le rythme
La meilleure manière d’intégrer le carnet de croquis dans votre routine est d’en finir un. Pour cela :
Commencez par un carnet mince (16 pages par exemple).
Une fois rempli, passez à un modèle un peu plus épais.
Concentrez-vous sur la régularité : quelques minutes de dessin chaque jour suffisent.
Apprivoiser le regard des autres
Dessiner en public est souvent intimidant. Pourtant :
La plupart des gens ne font pas attention à ce que vous faites.
Vous progressez en acceptant de vous tromper sous le regard éventuel des passants.
Dessiner en groupe (avec des amis ou lors d’un “drink and draw”) peut vous aider à dépasser cette peur.
Conclusion
Le carnet de croquis est bien plus qu’un accessoire. C’est un espace de liberté et un allié incontournable de votre progression artistique. Adoptez-le sans complexe, dessinez beaucoup, et considérez chaque page comme une étape vers un dessin plus sûr, plus vivant et plus personnel.
Dessiner les ombres et les placer correctement est un véritable casse-tête pour de nombreux dessinateurs débutants.
Lorsqu’on commence à s’intéresser aux ombres et aux lumières, on tombe souvent sur l’exemple iconique de la sphère.
Il est arrivé que certains de mes élèves me présentent des copies très réalistes de cette fameuse sphère. Même si leur rendu se rapprochait du modèle de référence, ils n’avaient en réalité pas appris à dessiner les ombres et les lumières : ils s’étaient contentés de copier.
Dans cet article, nous allons, nous aussi, dessiner une sphère posée sur une surface plane, avec un rendu d’ombres et de lumières. Mais cette fois, je vais décomposer chaque étape du processus pour que vous compreniez ce que vous faites, et que vous puissiez ensuite réutiliser cette théorie dans vos propres dessins d’imagination.
Je vais décomposer cet exemple afin de vous aider à comprendre le fonctionnement des ombres et des lumières.
Choix du rendu des ombres
Dans cet exercice, comme dans de nombreux autres liés à l’étude « théorique » du dessin classique, j’utilise systématiquement la technique du hachurage.
Dans cette approche, vous utilisez un outil qui produit un tracé sec et précis — comme un stylo, une plume ou un Rotring — et vous modifiez les valeurs (c’est-à-dire l’aspect clair ou sombre d’une surface) en espaçant plus ou moins les traits entre eux. Ces traits sont appelés des hachures, ou trames.
Je privilégie le hachurage lorsque j’enseigne la théorie du dessin pour plusieurs raisons :
Lisibilité de la méthode Cette technique permet de décomposer et de comprendre comment les différentes « couches » du dessin sont superposées. Même une fois le rendu terminé, le processus de construction reste lisible. On obtient ainsi à la fois un résultat finalisé et un aperçu clair de la méthode employée.
Éveil de la conscience du volume Le hachurage évite les automatismes. Comme vous devez penser en permanence au volume de ce que vous dessinez (les courbures des hachures suivent le relief des formes), vous restez constamment attentif. Cette vigilance renforce l’assimilation des principes que vous étudiez.
Préparation à la peinture Tramer ses dessins, c’est aussi nourrir les gestes qui forgeront votre « touche » picturale. En hachurant, vous commencez déjà à apprendre à peindre. Vous posez les bases de réflexes solides et sensibles.
J’ai moi-même découvert cette méthode dans l’un des cours qui m’ont le plus marqué, à l’école Pivaut de Nantes, sous la direction du professeur Marc Chalmé. C’était l’une des toutes premières leçons que j’ai reçues en entrant en première année.
Construire son dessin
Lorsqu’on étudie la théorie, cela exclut les « styles » graphiques : on se fonde uniquement sur des observations strictement physiques.
Dans ce contexte, il n’existe pas véritablement de « contour » aux objets et aux formes que l’on observe. Ce sont les contrastes de valeurs (dans un dessin en noir et blanc) qui créent les délimitations entre les différents éléments d’une composition.
Il n’est donc pas question d’enfermer une sphère dans un cercle parfaitement tracé à l’encre, comme on pourrait le faire dans une bande dessinée en « ligne claire », par exemple.
Cependant, vous devez tout de même poser les fondations de ce qui deviendra votre sphère, et cela commence par dessiner un cercle.
Nous allons donc utiliser un outil effaçable pour cette première étape — un crayon à papier, par exemple — et votre mission sera de tracer votre structure en appuyant le moins possible sur votre crayon. L’objectif est, à terme, de pouvoir gommer ces lignes sans qu’aucune trace ne subsiste.
Les éléments de base
Les éléments que vous devez placer dans votre composition sont :
le support,
la sphère,
la source lumineuse,
Il est essentiel de comprendre que si la sphère n’est pas construite en relation avec le support et la source lumineuse, alors ni le support ne ressemblera à un véritable support, ni la sphère à une véritable sphère. C’est la mise en relation cohérente de tous ces éléments qui permettra d’obtenir un rendu réaliste de la scène.
Gardez cela en tête tout au long des étapes à venir : c’est cette logique qui vous permettra de comprendre facilement la théorie.
1. Le dessin à plat
Démarrons concrètement.
Dans un premier temps, copiez ma scène telle quelle. (Si vous recommencez l’exercice, modifiez la perspective et le placement des éléments.)
Tracez les formes de ce qui deviendra la sphère (un cercle) et du support (un plan en perspective).
Dessin à plats de la sphère et de son support.
2. La direction de la lumière
Pour placer correctement les ombres, il est essentiel de connaître le positionnement et l’orientation de la source lumineuse.
Vous pouvez dessiner une petite flèche pour indiquer la direction de votre source lumineuse.
Représentez la direction de la lumière, puis tracez un diamètre que l’axe lumineux traverse perpendiculairement.
Pour vous garantir un placement correct des ombres sur la sphère, tracez dès à présent le « terminator » sur celle-ci.
Le « terminator » l’outil magique.
Sous ce terme énigmatique se cache un principe physique très simple à comprendre. La surface d’une sphère, ou de toute forme courbe, n’est éclairée par la source lumineuse que tant qu’elle y est directement exposée.
Dans le cas d’une sphère, la lumière éclaire la surface jusqu’à la limite d’un grand cercle (ayant le même diamètre que la sphère). Au-delà de cette limite, la surface n’est plus exposée à la source lumineuse.
Tracez le terminator en dessinant une ellipse traversée par l’axe que vous avez précédemment tracé, formant deux “lunes” inversées, de même largeur, de part et d’autre de celle-ci.
3. L’ombre portée de la sphère.
Votre source lumineuse peut être un point (dans le cas où elle est proche de l’objet, comme une lampe), ou bien unidirectionnelle si elle est très éloignée de votre sujet, comme le soleil.
Dans le cas d’une source lumineuse ponctuelle, vous pouvez utiliser ce point pour projeter le cercle dessiné par le terminator sur le support en perspective, ce qui dessinera l’ombre portée de la sphère.
Si vous avez une source lumineuse unidirectionnelle, projetez le terminator sur le support en perspective à l’aide de lignes parallèles orientées dans la direction de la lumière.
(Pour rappel, tous les tracés de construction doivent être très légers et pouvoir se gommer facilement.)
Ma lumière étant unidirectionnelle, j’utilise des axes parallèles pour projeter mon terminator sur le socle.
4. Les zones très éclairées
En partant du centre du cercle, tracez un axe selon le même angle que celui de votre lumière si elle est unidirectionnelle, ou en direction du point-source si la lumière est ponctuelle. Cela vous permettra de placer le centre d’une ellipse, aux mêmes caractéristiques que votre terminator, qui définira la zone parfaitement éclairée de votre scène.
Dans cette nouvelle ellipse, vous délimitez la zone parfaitement éclairée de la surface.
Ma lumière étant orientée de droite à gauche, le socle sera également très éclairé sur la droite. Selon la lumière que vous utilisez, le socle peut être entièrement et parfaitement éclairé (en dehors de l’ombre portée de la sphère).
5. Ombrage, premier passage
J’utilise un encrage en hachures classiques. Je fais attention à suivre le volume des éléments, notamment celui de la sphère.
À cette étape, vous pouvez déjà créer de petits dégradés en espaçant vos hachures (comme je l’ai fait) ou en utilisant des points et des tirets.
Il ne doit y avoir aucune hachure dans les zones que j’ai réservées pour la lumière et, à ce stade, je ne croise aucune hachure. Je travaille l’ensemble de l’image de manière homogène.
Je ne croise pas mes hachures et je ne cherche pas à traduire toutes les valeurs dès le premier passage.
6. Ajouter des passages
Pour renforcer les ombres, multipliez les passages en couvrant à chaque fois l’intégralité de l’image, en croisant les traits. Cela vous aide à y voir plus clair dans les zones que vous avez déjà travaillées ou non. Il faut éviter le « surtravail » et ne pas croiser trop souvent les hachures. Travaillez les ombres de surface sans toutefois pousser trop loin les valeurs pour le moment.
Hachurage – Étape 2Hachurage – Étape 3
7. La lumière reflétée
La lumière qui éclaire votre support va rebondir et éclairer les surfaces situées sous le terminator de votre sphère. Poursuivez avec une étape de hachures pour augmenter la valeur, en vous concentrant sur le terminator, qui sera la zone la plus sombre de votre sphère. Renforcez également l’ombre portée.
La base de la sphère est éclairée par les reflets du support
8. Ombres d’occlusion
Ajoutez une ombre « d’occlusion », c’est-à-dire une zone où la lumière ne passe pas du tout et qui est donc complètement noire, située dans une petite partie de l’ombre portée à la base de la sphère.
Ajoutez des ombres d’occlusion dans des petites zones non exposé à la lumière
9. Ajoutez un fond
Ajouter un fond avec un dégradé inversé permet d’obtenir des contrastes qui mettent en valeur le sujet.
Votre scène définitive
Gommez vos traits de construction et le tour est joué ! Pour vous exercer, recommencez l’exercice en modifiant la scène (les éléments, la source lumineuse, etc.).
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Pourquoi l’expérimentation artistique est-elle souvent absente des formations en dessin ?
En tant qu’artiste débutant, vous avez peut-être remarqué que l’expérimentation est rarement mise en avant dans les formations techniques ou professionnelles. Et pour cause : dans beaucoup d’écoles de dessin orientées vers l’emploi, l’objectif est clair – former des professionnels rapidement employables.
On vous pousse à vous spécialiser : character design, décors, effets spéciaux… Chaque rôle a ses contraintes, ses standards, ses deadlines. Et dans ce cadre, l’expérimentation peut sembler contre-productive. Elle est perçue comme une prise de risque inutile, une perte de temps ou une menace pour la fiabilité du processus.
Mais cette logique a ses limites, surtout quand on apprend seul. En tant qu’autodidacte, vous pouvez aussi tomber dans un autre piège : répéter sans cesse ce que vous savez déjà faire, par peur de rater. On finit par tourner en rond, à confondre maîtrise et automatisme. C’est là que l’expérimentation devient indispensable.
En quoi l’expérimentation artistique est-elle utile pour progresser en dessin ?
Si vous êtes passionné par le dessin, vous savez que ce qui vous anime au départ, ce n’est pas la technique, c’est le plaisir. L’envie de jouer, de découvrir, de s’exprimer. Et c’est justement ce que l’expérimentation vient nourrir :
1. Elle redonne de l’énergie
Expérimenter, c’est sortir du cadre, dessiner sans enjeu, sans attente. Cela vous reconnecte avec le plaisir brut de créer, sans pression.
2. Elle ouvre de nouvelles portes
En testant des outils, des approches ou des styles qui ne sont pas les vôtres, vous découvrez parfois des solutions techniques inattendues, ou des idées visuelles que vous n’auriez jamais envisagées.
3. Elle enrichit votre style
Plus vous expérimentez, plus votre style devient souple. Vous devenez capable d’intégrer des imprévus, de rebondir, de vous adapter. Et ça, c’est précieux dans une carrière artistique.
4. Elle développe votre ouverture d’esprit
Expérimenter un style que vous n’aimez pas peut transformer votre regard.
Comment expérimenter concrètement ?
Voici quelques idées que je partage dans mon podcast, pour vous aider à expérimenter dans votre pratique :
Imposer des contraintes physiques
Dessinez avec la main opposée.
Ne regardez pas votre feuille.
Utilisez un outil inhabituel : une brosse, un morceau de bois, une chaussette.
Explorer des contraintes de style
Interdisez-vous les lignes droites ou les angles.
Limitez votre palette de couleurs ou vos valeurs.
Prenez une image et redessinez-la dans un style totalement opposé.
Imitation volontaire de styles que vous n’aimez pas
Pas de caricature ici : plongez-vous sincèrement dans un style que vous rejetez. Cela vous obligera à comprendre les choix graphiques derrière l’apparente simplicité.
Utiliser les outils autrement
Grattez avec le manche du pinceau.
Écrasez des mines pour dessiner avec les doigts.
Transformez un objet du quotidien en outil de dessin.
Pourquoi je vous encourage à expérimenter
L’expérimentation artistique, c’est ce qui me garde vivant en tant qu’artiste. C’est ce qui m’empêche de devenir un technicien vidé de toute envie. Dans ce podcast, je partage cette conviction et je vous donne des pistes concrètes pour faire de l’expérimentation un pilier de votre progression.
